TOM WAITS - THE HEART OF THE SATURDAY NIGHT (1974)

VALORACIÓN: BUENO 



FORMACIÓN:

• Tom Waits: voz, piano y guitarra
• Bill Goodwin: batería
• Jim Hughart: contrabajo
• Pete Christlieb: saxofón tenor
• Bob Alcivar: arreglos

TRACK LIST:

01 - New Coat Of Pain
02 - San Diego Serenade
03 -  Semi Suite
04 - Shiver My Timbers
05 - Diamonds In My Windshield (Looking for)
06 - The Heart Of The Saturday Night
07 - Fumblin´ With The Blues
08 - Please Call Me, Baby
09 - Depot, Depot
10 - Drunk On The Moon
11 - The Ghosts Of Saturday Night ( After Hours At Napoleone´s Pizza House)



Esta bien lo reconozco, elegí esta semana un disco al azar de TOM WAITS para destrozar el mito  que han montado en torno a su figura gente tan dispar como los MARLANGO de la cursi de Leonor Watling (no creo que tardemos en hacerles una visita) o la hollywoodiense y no menos cursi Scarlett Johansson, gente tan cool que se llevarian las manos a la cabeza si vieran que nuestro espiritu iconoclasta puede hacer arrastrar por el fango la impecable carrera de este ilustre borracho sin temblarnos el pulso lo más minimo. Escogi este "Heart Of The Saturday Night" porque creo que la esencia de los artistas siempre es más pura en las primeras obras (Seamos sinceros, tambien porque me gusto la portada)  y tengo que decir sin rodeos que me ha sorprendido para bien en muchos aspectos. Como profano en la obra de TOM WAITS, lo primero que choca en este álbum editado en 1974, es que su voz, marca de la casa, aquella que Daniel Durchholz, crítico musical, definió como «si hubiese sido sumergida en un depósito de bourbon, ahumada durante unos meses, y luego llevada afuera y aplastada por un coche» es muy distinta a la que permanece en la memoria colectiva por canciones como "Rain Dogs" o "Chocolate Jesus". La voz de Waits suena tremendamente domesticada en comparación a sus obras posteriores. En "San Diego Serenade" parece Springsteen con afonía y "New Coat Of Pain" esta pensada para un bluesman borracho de segunda que maldice su suerte cantando en bares de mala muerte por unas cervezas hasta el amanecer. TOM WAITS ha sabido explotar muy bien ese papel de loser seductor, supongo que su falta de talento (a nivel interpretativo, no artistico) lo compensa con el personaje al que tanto pseudointelectual progre venera. Es cierto que los dos temas anteriormente mencionados son excepcionales, al igual que otros realmente destacables ("Depot, Depot", "Fumblin´ With The Blues"...) pero me da la sensación, y esto es una opinión personalisima, que este tipo es un vendedor de humo. No hace absolutamente nada que no haya hecho otro bluesman clásico anteriormente y con mayor calidad que el. Quiza lo más revolucionario de TOM WAITS es que ha sabido mezclar, Blues, Folk e incluso Vodevil con muy buen criterio. Esa busqueda continua de intentar sorprender al oyente le lleva a ofrecernos algunas piezas extrañisimas como "Diamonds In My Windshield", que es muy apreciada por sus arrogantes seguidores por su extraordinaria letra, pero como juzgamos estrictamente el aspecto musical, la parte literaria es completamente accesoria si el tema es una mierda como en este caso. La otra parte negativa es que estilisticamente el álbum es muy poco variado y cuanto más lo escuchas menos sorprende. Hay que reconocerle a TOM WAITS que se ha sabido vender muy bien, que realmente y en lineas generales el disco esta bien pero sin duda sobrevalorado por sus relamidos seguidores y criticos snob. Es bueno pero desde luego que no es para tanto. Aprobado holgado, pero lejos de la Matricula de Honor que le pretenden atribuir. Ya que me he reconciliado en lo artistico con el, prometo rebuscar en su discografía a partir de ahora para encontrar eso que le hace tan especial para tanto pedante. ¡Que guay yo también escucho a TOM WAITS! No se puede ser más cool...

T.LORENTE

IGOR PASKUAL - EQUILIBRIO INESTABLE (2011)

VALORACION: BUENO

TRACK LIST:

01 Música para Traicionar
02 Pierdo la Calma
03 Chica de gama alta
04 Bebemos
05 Volver
06 Bipolar
07 La Bahía
08 Mis Amigos
09 El peor Novio del mundo
10 Mi Funeral
11 Automedicación
12 Corazón de Hielo

Disco debut de este músico afincado en Gijón conocido por haber estado al frente del grupo de los 90 BABYLON CHAT y por su pertenencia desde 2002 a las huestes de Jose Maria Sanz “LOQUILLO” con el que sigue hasta hoy. Este “Equilibrio inestable” es de los álbumes mas frescos divertidos y revitalizantes de los últimos años, una colección de canciones de rock-pop, de letras convulsas y canallas, espíritu de transición entre la juventud y la madurez musical y en general bastante genio inventivo. Con un concepto de canciones que rondan los tres minutos y medio, la producción de Carlos Stro consigue engranar las pegadizas melodías en una heterogeneidad mas que coherente con algún detalle electrónico, a pesar de que las raíces de PASKUAL están muy claras: mucho rock de los 70 (Glam etc) con una salida Pop y en definitiva un material muy directo.
El punto negativo que le sacaría al disco es esa especie de “aire” (quizás por la producción o por la cadencia de la voz) a los discos de pop-rock actuales o a la línea que iniciaran PEREZA, y eso le da a todo un rollo comercial o que perfectamente pudiera sonar en una radiofórmula de las de ahora.
Otra traba que le pondría es no haber incluido ese excelente tema que es “El arte de mentir” titulo que lleva el libro de Paskual sobre anécdotas diversas de Rock´N´Roll.
En cuanto a los temas “Música para traicionar es un muy buen comienzo que me recuerda inevitablemente a los CLASH del “London Calling”. “Pierdo la Calma” esta entre una canción añeja y que destila un “noseque” de finales de los 90 irresistible. “Chica de gama alta” parece uno de los singles y es un gran tema para animarse, palmas incluidas, “Bebemos” es otro directo al oído con videoclip en el que sale Jorge Martínez de ILEGALES, “Volver” es un poco mas rápida y “Bipolar” si que es una sorpresa porque es la mas oscura del disco y la que tiene los giros mas radicales. La Bahia y mis amigos son dos estupendos temas rockeros y con mucho feeling. En cuanto a “El peor novio del mundo” hay gente que lo considera un tema pésimo, para mi aunque efectivamente no es la mejor del disco, me parece mas que decente y con cierta gracia.
“Mi funeral” esta eficazmente ambientada y tras algún tema mas llega “El Corazón de Hielo”, canción de balada-pop a lo que vuelvo que este trabajo es perfectamente radiable en los 40 de al menos pocos años, no como ahora que todas estas emisoras “mainstream” rinden devoción al pop-electrónico ese, tan asqueroso y artificial.
Este equilibrio inestable (fenomenal nombre) juega con la ventaja de poder llegar a un público amplio pero siendo dignos del sonido 70 y de los clásicos rock españoles. Paskual no llega tan lejos pero consigue que su criatura posea vida propia.

M. LAGUNA

SAMSON - REFUGEE (1990)

VALORACIÓN: BUENO

FORMACIÓN:

Paul Samson: guitarras, bajo, coros
Tony Tuohy : batería en el tema 11
Toby Sadler: teclados
Peter Scallan: voz principal excepto en el primer tema
Charlie Mack: batería
Dave Boyce: bajo en tema 7
Gary Owen: voz principal en "Good To See You"

TRACK LIST:

1 - Good to See You
2 - Can`t Live Without Your Love
3 - Turn on the Light
4 - Love This Time
5 - Room 109
6 - Stage of Emergency
7 - Don`t Tell Me It`s Over
8 - Look to the Future
9 - Someone to Turn to
10 - Too Late
11 - Samurai Sunset
12 - The Silver Screen


Penultimo disco de estudio de los britanicos SAMSON, pioneros de la New Wave Of British Heavy Metal y primero tras el receso de cuatro años producido tras la salida de "Joint Forces" en 1986 y al igual que este, un disco más personal que cualquiera de los trabajos realizados por esta infravalorada banda británica anterior a la edición de "Before The Storm" en 1984. Ya no están acompañando al viejo Paul ni Nicky Moore, ni el sempiterno escudero Chris Aylmer, ni el tarado de Thunderstick, ni por supuesto "Bruce Bruce" (je!) En lugar de ellos, la casa discográfica RCA tiro de talonario para contratar a unos soldados de fortuna que acompañaron a Paul Samson en este nuevo elepé con un acabado bastante decente, incluso realmente brillante por momentos, pero del cual se podría haber sacado un muchisimo mejor rendimiento y me explico: definiria a este albúm como "poco homogéneo" (no quiero decir heterogéneo porque puede parecer hasta una virtud). El cambio estilistico respecto a los anteriores trabajos de SAMSON es simplemente brutal, aqui el sonido rockero y contundente marca de la casa de la NWOBHM se ve desplazado en favor de un sonido A.O.R. muy al gusto de la f.m. americana, cargado de teclados que seguro que en su momento produciría un brote de urticaria al sector de seguidores mas ortodoxo de la banda. En mi opinión esto es un punto a favor mayusculo. Por mucho teclado, mucha producción americanizada y a pesar de haber echado el freno de mano en terminos de fiereza, el sonido de la guitarra de Paul Samson, protagonista indiscutible del disco, es redondo, impecable y elegante. Los solos estan estructurados perfectamente, ejecutados con una limpieza y una sobriedad a la altura de otros "guitar heroes" mas reconocidos y son además tecnicamente sobresalientes. Por otra parte se notan mucho los cuatro años que trascurrieron desde "Joint Forces" hasta la salida al mercado de "Refugee,  la compleja elaboración de muchos de los temas indica inequivocamente que fueron escritos y madurados durante este largo tiempo de barbecho discografico. Hasta ahí todos son alabanzas a este álbum, pero como suele ser habitual por desgracia, el disco tiene una segunda cara menos amable que resalta los fallos (que podrian haberse subsanado perfectamente, cabe decirlo) del producto final. Inexplicablemente la primera canción del disco, la magnifica "Good To See You" tiene a las voces al también magnifico y poco conocido vocalista Gary Owen el cual posee un timbre que por momentos me recuerda a la versión más agresiva de Freddie Mercury, mientras que los once temas restantes son cantados por Peter Scallan (BLIND ALLEZ, CHASAR) con un color vocal que es inquietantemente parecido al de Peter Goalby (ex-URIAH HEEP) o al menos eso me parece a mi. Como la noche y el día y a eso me referia con lo de "poco homogéneo". Es comercialmente un error gravisimo por parte de RCA (aunque claro despues de lo de Lou Reed y "Metal Machine Music" es entendible cualquier desvario de tan ilustre disquera) Por otra parte, el álbum esta polarizado entre temas realmente ASOMBROSOS (la mencionada "Good To See You", "Can´t Live Without Your Love" o "Turn On The Lights") casi todos al comienzo del álbum, quizá con la gloriosa excepción que supone "Too Late" (que es por cierto el único corte que me hace recordar a los viejos SAMSON) y temas que sin llegar a ser malos son bastante prescindibles y no tan asombrosos a mi entender ("State Of Emergency", "Don´t Tell Me It´s Over", "Look To The Future") canciones de sobra escuchadas en multitud de grupos que no dejan de ser relleno y que perjudican notablemente la puntuación global. En definitiva un buen disco, con un arranque espectacular (no puedes quitarte de la cabeza el estribillo de "Can´t Live Without You Love") pero que con un poquito más de cuidado y sentido común (el menos común de los sentidos) hubiera sido un disco memorable que hubiera hecho justicia a una de las más importantes y denostadas bandas de un movimiento tan emblematico como fue la NWOBHM. Merece la pena escucharlo y compararlo con sus tres primeros trabajos. Imaginate a "Bruce Bruce" cantando esto. Impagable.

T. LORENTE

HOWARD JONES - HUMAN´S LIB (1984)

VALORACION:  BUENO

FORMACION:

Howard Jones: Voz Sintetizadores
Davey Payne: Saxofón

TRACK LIST:

01: Conditioning
02: What is Love
03: Pearl in the Shell
04: Hide and Seek
05: Hunt the Self
06: New Song
07: Don´t always look at the Rain
08: Equality
09: Natural
10: Human´s Lib

Uno de esos discos de los 80… con todos los clichés y tics típicos de la producción de esa época. Es el debut de HOWARD JONES, músico ingles nacido en 1955 y que vio el éxito a gran escala con este álbum de puro Synthpop que vendió 100000 copias a la primera semana de su lanzamiento. Como decía, en el nos encontramos varios singles de éxito, ritmos mas que bailables, alguna balada, y como no, gran dominio del sintetizador y de la voz como protagonistas casi absolutos. Y además con Jones tocándolo todo.
A grandes rasgos es un álbum aceptable, bien ejecutado, con algunos puntos fuertes que justifican la valoración dada en este blog, y otros que por poco le bajan un peldaño. Personalmente, comparando con otros del blog, y además de esa misma época me quedo con los ya analizados MINISTRY, que con este compendio de Pop súper edulcorado que es abierto con la fresca “Conditioning” que marca el patrón para todo lo que nos vamos a encontrar, texturas asequibles para ese tiempo y una voz lánguida y muy británica.
La segunda, “What is Love” es una de esas canciones radiadas hasta la saciedad en las emisoras comerciales y que cualquier persona que haya escuchado medianamente la radio reconocerá al instante, se trata de un tema muy sencillo con estribillo extremadamente pegadizo que entra al oído en seguida y que llegó al número 2 en los charts británicos en noviembre del 83, precedente a la salida de este “Human´s Lib” (lanzado en marzo del 84), en definitiva un gran tema de coros inolvidables que no podrás parar de escuchar.
La sigue “Pearl in the Shell” de aires mas festivos y una balada moñona como “Hide and Seek”, no mucho mas que comentar en esta cara del LP.
“New Song” es otro tema notable si te gusta el pop y el resto es material mas que decente para rellenar la segunda cara que termina con un sorprendente “Human´s Lib”, mucho mas oscuro con insistente trabajo de teclados (sin rastro de guitarra en todo el disco).

Efectivamente este trabajo te encantará si eres fan no solo de este hombre en particular sino de este estilo tan inherente a los años 80.

M.LAGUNA

JEAN LUC PONTY - ENIGMATIC OCEAN (1977)

VALORACIÓN: OBRA MAESTRA
 FORMACIÓN:

• Jean-Luc Ponty – violín eléctrico, violín eléctrico de cinco cuerdas, violectra, campanas, piano
• Allan Holdsworth – guitarra eléctrica
• Daryl Stuermer – guitarra eléctrica
• Allan Zavod – órgano, sintetizador, piano eléctrico, piano, clavinet
• Ralphe Armstrong – bajo electrico, bajo fretless
• Steve Smith – batería y percusión

TRACK LIST:

1. "Overture"
2. "The Trans-Love Express"
3. "Mirage"
4. "Enigmatic Ocean - Parte I"
5. "Enigmatic Ocean - Parte II"
6. "Enigmatic Ocean - Parte III"
7. "Enigmatic Ocean - Parte IV"
8. "Nostalgic Lady"
9. "The Struggle of the Turtle to the Sea - Parte I"
10. "The Struggle of the Turtle to the Sea - Parte II"
11. "The Struggle of the Turtle to the Sea - Parte III" 

No suelo ser proclive a expresar mi opinión sobre ciertas obras que bien sea a nivel de ventas o por las alabanzas de los medios especializados van en una linea mas mainstream o digamos más vulgar dentro del "noble deporte" de la crítica musical, ya que considero que hay muchas páginas similares a la nuestra que lo hacen por nosotros (Muchas gracias por ser tan previsibles). Nuestra línea editorial, para los que a menudo o esporádicamente nos leeis, esta basada en un analisis más o menos exhaustivo de piezas quizá no tan (re)conocidas por el publico o la critica en general. En el caso de esta maravilla vamos a hacer una honrosísima excepción. Publicado en 1977, "Enigmatic Ocean", es sin duda la obra cumbre de JEAN LUC PONTY,  brillante y célebre violinista frances, pionero en la incorporacion del violín eléctrico en la escena del rock/ jazz fusión de los años 70. Hablar de "Enigmatic Ocean" es hablar de un disco clásico, una rotunda obra maestra, no solamente de este género musical tan acrobático en el que se ubica, sino tambien y de un modo más general de la música instrumental. "Enigmatic Ocean" es por ende uno de los mejores discos de los 70, que ya es bastante decir conociendo el impresionante bagaje que nos dejó la aquella década tan fértil musicalmente hablando. El elenco que acompaña al violinista francés en este élepe esta a la par o por encima de las habilidades técnicas del francés, con músicos de la talla de Steve Smith, más conocido por su posterior trabajo en los superventas JOURNEY, que aquí hace un trabajo absolutamente brutal o el extravagante Allan Holdsworth, probablemente el mejor guitarrista que dio jamás el planeta tierra (Frank Zappa dixit). Es impresionante como un disco completamente instrumental y de un género bastante duro para los oídos menos avezados en estas tesituras, puede resultar tan accesible hasta para el oyente con gustos mas comerciales. Este detalle creo que es la principal diferencia con otros grandes del género, el matiz que le hace sobresalir entre otros discos tambien brillantes, pero que carecen de esa comercialidad de la que hace gala "Enigmatic Ocean". Pero no me entendáis mal, el termino comercial no implica que este mal ejecutado o sea de dudoso gusto estético - sonoro (si se me permite el neologismo) sino que Ponty, muy listo el, sabía perfectamente que esos eran los años de apogeo de la música disco y curiosamente el álbum está repleto de ritmos y melodías funkeras, como se puede apreciar de manera muy evidente en "The Trans-Love Express", "Mirage" "Enigmatic Ocean Part III" (increible Holdsworth aqui) o en "The Struggle Of The Turtle To The Sea Part III". Mención aparte para el tema que da título al disco, una elegante suite dividida en cuatro secciones con un leitmotiv que es ya por meritos propios parte de la historia de la música del siglo XX y también para la no menos elegante "Nostalgic Lady", con otro de esos solos que te hacen alcanzar el nirvana por unos segundos (¿de que planeta viniste Holdsworth, para dejar en el camino a tanto guitar - hero de tu generación y posteriores?) . A nivel compositivo, artistico y por lo innovador de su concepto es un 10 sin ningún genero de dudas, clásico imprescindible y compra obligada para tu colección si eres un buen chico de los que todavia compra discos o descarga obligada si eres una cruel bestia del averno. Sea como fuere, ya estas tardando. Saludos.
T.LORENTE

ANA CURRA - UNA NOCHE SIN TI E.P. (1985)

VALORACION: MUY BUENO

FORMACION:

Ana Curra: Voz y Teclados
Jose Battaglio: Guitarra y Voz
Rafael Balmaceda: Bajo
Carlos Torero: Batería

TRACK LIST:

01: Una noche sin ti
02: Lágrimas
03: Volveré
04: Lágrimas (Instrumental)

Después de su carrera con ALASKA Y LOS PEGAMOIDES, PARALISIS PERMANENTE y LOS SERES VACIOS, la teclista y cantante Ana Curra sacó con Hispavox este estupendo E.P de tres canciones donde expande su faceta After-Punk y Gótica, a la altura de cualquier grupo inglés de la época, quizás le pondría el “pero” a la producción de la voz de Ana, e incluso a su manera de cantar en algunos pasajes, pero ciertamente este E.P se ha convertido ya en un pequeño clásico, y canciones como “Una noche sin ti” y su videoclip en “La Bola de Cristal” de TVE son muy recordados para los seguidores de este estilo tan propio de los 80. Este tema en cuestión, single del disco cuenta con un bonito trabajo a las guitarras y un inteligente uso de la sección rítmica a lo largo de la canción que a pesar de ser sencillita no aburre ni un momento. Luego viene “Lagrimas” el mejor tema del Vinilo y uno de los mejores de la carrera de Ana Curra, atmosférica y única me recuerda mucho a los THE MISSION y KILLING JOKE de esos años, es una melodía tierna y dura a la vez, desgarradoramente bella.
“Volveré” es una canción festiva y cumple su función con Jose Battaglio a la voz, mucho mas pop-rockera a pesar de la perpetua presencia de los teclados y sus efectos. Y para terminar un remix instrumental de “Lagrimas” que funciona a la perfección y que de nuevo recuerda a esos experimentos instrumentales de grupos coetáneos. Después de esto, Ana Curra lanzaría el LP Volviendo a las andadas con igual promoción en medios.

M. LAGUNA

PEARL JAM - NO CODE (1996)

VALORACION: MUY BUENO

FORMACION:

Eddie Vedder: Voz, armónica, guitarra
Stone Gossard: Guitarra, coros
Mike McCready: Guitarra, piano
Jeff Ament: Bajo, guitarra, coros
Jack Irons: Batería

TRACK LIST:

01: Sometimes
02: Hail, Hail
03: Who you are
04: In my Tree
05: Smile
06: Of he goes
07: Habit
08: Red Mosquito
09: Lukin
10: Pressenttense
11: Mankind
12: I´m Open
13: Around the Bend

PEARL JAM sacó este “No Code” allá por 1996 y recuerdo perfectamente al conjunto como uno de los líderes de las fórmulas musicales de la época. Su música, su moda y algunos singles auténticamente potentes y pegadizos como “Spin the Black Circle” del “Vitalogy” (1994) son un emblema del momento de mediados de los 90, en los que el rock de Seattle devoró todo lo que seguía sonando ochentero del panorama musical,  hasta que poco a poco esta corriente llamada Grunge se fue diluyendo en estilos parejos para llegar a hoy, donde la situación del Rock mundial se ha quedado en una especie de amalgama Revival en todos los aspectos. En el caso de este “No Code”, PEARL JAM se atrevieron a experimentar con texturas varias, mucho medio tiempo, y un ambiente creativo, intimista y en ocasiones oscuro, sin prescindir de la caña en el momento oportuno. Comienza la cosa con la extraña “Sometimes” que ya es un poco chocante para los habituados al sonido original de PEARL JAM, esta tiene un desarrollo en acústico con gran protagonismo del bajo, y en esta onda se suceden los temas porque para “Hail Hail” sube el Tempo y la distorsión y la voz de Vedder, que en el disco se debate entre lo lánguido y lo enérgico también esta muy acertada. “Who you are” tiene un aire entre Folkie y sesentero y “In my Tree” posee un ritmo que hasta me recuerda a U2, “Smile” esta bien y “Habit” es una bonita canción con fenomenal trabajo de las acústicas, hasta aquí una buena presentación de un disco ecléctico aunque coherente. La siguiente mitad empieza con la rabiosa “Habit” recordándonos a los Pearl Jam anteriores a “No Code” y la verdad que se parecen un poco a Foo Fighters aquí. “Red Mosquito” retorna a lo psicodélico y al trabajo obsesivo de guitarras, Lukie es un tema corto que le pasa lo mismo que a “Habit” en cuanto a su intensidad.
“Present Tense” tarda un poco en arrancar para acabar mas oscura y vuelvo a la presencia del bajo en cuanto a adornos y fluidez. “Mankind es otro temazo cien por cien 90´s y las dos ultimas I´m Open y “Around the Bend” cierran un trabajo de sonido Seattle al fin y al cabo, americano y personal sin fisuras.
En síntesis, un álbum especial y polifacético, que abre ya bastante el sonido general para finales de los 90, en cuanto a experimentación y producción se refiere, la excelente colección de temas esta bastante bien hilvanada y aun así quizás no sea muy recomendable para puristas o los que busquen LP´s homogéneos. Será una grata sorpresa para los que busquen un sonido de banda en directo y en definitiva riffs y estribillos pegadizos con bastante clase.

M. LAGUNA

MINISTRY - WITH SYMPATHY (1983)

VALORACION: MUY BUENO

FORMACION:

Alain Jourgensen: Voz, Guitarra, Teclado, Batería
Stephen George: Batería, Percusión
(Además de músicos adicionales)

TRACK LIST:

01: Effigy (I´m not an)
02: Revenge
03: I Wanted to tell her
04: Work for Love
05: Here we Love
06: What he say
07: Say you´re sorry
08: Should have known better
09: She´s got a cause

MINISTRY será reconocido en seguida por la mayoría de los amantes del género industrial o del EBM como uno de sus grupos emblema, sin embargo, como en Equipo de Demolición nos gusta sacar los entresijos a los grupos, nos encargamos ahora de este, su fenomenal primer disco de 1983 llamado “With Sympathy”, encantador trabajo de increíble producción para ser un debut, y que hará las delicias de cualquier aficionado al After-Punk o Synth-Pop. Con una formación de dúo completada por una docena de músicos adicionales, Al Jourgensen y Stephen George facturan nueve temas que si bien no aportan mucha originalidad respecto a otros elepés de los primeros ochenta, si que ofrecen una buena muestra de calidad musical. Vibrantes temas dominados por bajo y teclados, mas ritmos bailables con una voz expresiva, determinante y muy en su sitio. Las atmósferas son mas festivas que oscuras en su mayoría y eso lo hace una colección sumamente accesible y en la que no hay que romperse mucho la cabeza, todo entra a la primera. La guitarra por su parte ocupa un lugar puramente ornamental, ya que el protagonismo se lo lleva por entero los sintetizadores.
Y es que por lo visto estos muchachos se vieron sometidos a las presiones de Arista, la discográfica en cuestión, para imprimir un estilo mas Synth-Pop al grupo, y con toda seguridad, el álbum debe su perfecto sonido a que se invertiría mucho en él. Jourgensen imitó un acento ingles en la pronunciación, (no nos olvidemos que estos chicos son de  Chicago) y de hecho “With Simpathy” llegó a Europa con el nombre de “Work for Love”, con portada y orden de canciones cambiados. No hay ni siquiera una ligera pista sonora que nos indique el cambio que pegarían años después.
En cuanto a los temas, los mas destacables son: “Effigy (I´m not an)”, (la mas Post-Punk) “I Wanted to Tell her” y “Work for Love”, con soberbio trabajo de bajo y sintetizadores, “What he Say” y por supuesto “Revenge” uno de los grandes temas de esa época, del que existe un videoclip de agobiante y obsesiva estética. El resto también es buen material y como digo se percibe mucho trabajo de producción sin sonar sobrecargado, en contraste con unas canciones bastante naturales aunque bien estudiadas en su estructura.

Después de esto, tres años después, MINISTRY tomaría las riendas de su futuro con el álbum “Twitch” metiéndose de lleno en el estilo industrial.

M.LAGUNA

LOU REED - METAL MACHINE MUSIC (1975)

VALORACIÓN: PÉSIMO

FORMACIÓN:

Lou Reed - Guitarra

TRACK LIST:

1-  Metal Machine Music, Part I
2 - Metal Machine Music, Part II
3 - Metal Machine Music, Part III
4 - Metal Machine Music, Part IV

Quiero creerme que son efectos secundarios del abuso de drogas o trastornos neurológicos producidos cuando siendo todavía un chaval, el padre de LOU REED ingresó a dicho bastardo (perdón, vástago) en una clínica donde le curaron la homosexualidad a base de electroshocks. Cuenta la leyenda que como LOU REED estaba hasta los huevos de la tiránica exigencia de la compañía RCA de publicar un disco al año, no se le ocurrió otra cosa que presentar este montón de mierda en formato de 33 revoluciones para cumplir la obligación contractual con la discográfica ante el estupor generalizado por parte de propios y extraños. Si fue como venganza o por simple arrogancia es lo de menos, aquí quien salió perdiendo fue el que fue a comprar el disco creyendo que era un nuevo "Berlin" o un nuevo "Transformer" y se encontró con una hora, cuatro minutos y cuatro segundos de dolor y sufrimiento extremo. Dicen que cuando Poncio Pilato, prefecto romano en Jerusalén mando a nuestro señor Jesucristo hacia el Gólgota para su crucifixión, considero inhumano ponerle en un Walkman durante el camino este "Metal Machine Music" que sin embargo fue, ha sido, es y me temo que será, objeto de múltiples alabanzas (¿?) por parte de críticos iluminados por la genialidad que los simples mortales no pudimos jamás ver en este desparrame absurdo de acoples de guitarra que nos dejó paladear LOU REED en 1975, año en el que decidió dar un descanso a su actividad cerebral, como se puede apreciar claramente a lo largo de toda esta aberración que analizamos hoy.

Si amig@, la imagen que has visto no es producto de haberte escuchado "Metal Music Machine" tres veces seguidas, sino que pertenece efectivamente a la popular serie "La Aldea Del Arce", (Maple Town, en su versión original) serie muy popular en España para todos los que fuimos niños durante los años 80. Como no creo que merezca la pena perder más el tiempo hablando de esta basura, me gustaría despedir esta review  recordando lo felices que eran allí, Patty la coneja y Bobby el osito, en un mundo maravilloso donde reinaba la paz, el amor y la armonía entre todos sus habitantes y vivían sin temor a nada, sin temor a que sucedieran asesinatos, violaciones, acciones terroristas o que a la RCA se le ocurriese mandar allí a LOU REED a presentar en vivo el aterrador "Metal Machine Music" acompañándole como teloneros nuestros amados DRAGONFORCE (muy queridos en EQUIPO DE DEMOLICIÓN, como pudisteis comprobar recientemente). En definitiva que hoy es viernes y hace un sol esplendido para pasear.

T.LORENTE

LONDON SYMPHONY ORCHESTRA - SYMPHONIC MUSIC OF THE ROLLING STONES (1994)

VALORACION: BUENO

TRACK LIST:

01- Street Fighting Man
02- Paint it Black
03- Under My Thumb
04- As tears go by
05- Sympathy for the Devil
06- Dandelion
07- Ruby Tuesday
08- Angie
09- She´s a Rainbow
10- Gimme Shelter
11- Jumpin´ Jack Flash

Una rareza este producto que hoy nos ocupa, el disco sinfónico con música de los ROLLING STONES, principalmente de sus temas más populares, sacado en 1994 y con la London Symphony Orchestra. A mi sinceramente en este álbum casi todo me parece fuera de tono, y eso que no es tan tajante mi opinión actual con la primera vez que escuché otro “Paint it Black orquestado, en el que la pomposidad de los arreglos me dieron mas que asco por entonces. Actualmente mi esquema musical ya permite abrirme a nuevas sonoridades sean de la época que sean, pero lo insustancial disfrazado de magnifico sigue siendo algo que me repele, aunque tranquilos, esta vez no hay para tanto. No se puede dudar de la calidad sonora de “Symphonic Music of the Rolling Stones”, incluso en la ejecución y en muchos de los arreglos… pero no era necesario. Los temas de este famosísimo grupo están bien en su tesitura de Rock, y ahí esta la magia. Y tampoco es que el trabajo desagrade, pues las canciones son las que son, queda como curiosidad y muy para los amantes del sinfónico o los Super fan de los STONES. En este álbum podemos encontrarnos con dos ambientes, uno, que aprovechando la canción en su estructura original ofrece unos fondos armónicos en mi opinión prescindibles y una segunda, en la que los cortes van mas allá en su composición y esta será la que mas guste a los seguidores de música clásica.
Empezamos la escucha, y ya tiene bemoles oír un tema tan radical como “Street Fighting Man” al mas puro estilo de una sinfónica, y eso que ciertamente este corte es de los mas logrados en su transformación de ROLLING STONES a orquestal, mas que nada por ofrecer unos cambios originales y un desarrollo grandilocuente. Porque por otra parte, “Paint it Black” si que llega a sacar los colores con esas incursiones medio árabes que no pegan ni con cola. Luego esta “Under my Thumb”, pasable y con la voz de Michael Hutchence de INXS, arreglos bonitos y tal, pero la sigue “As Tears go By” cantado por Maire Brennan de CLANNAD y aquí me remito a que tanta parafernalia termina sonando a sobrecargado. Me quedo con “Sympathy For The Devil” porque imprime una tensa y conseguida atmósfera, aunque se acerca mas a los aires operísticos que a la original por supuesto. En “Dandelion” ya se escuchan hasta cantos de niños y Marianne Faithfull canta un ampuloso “Ruby Tuesday” para dar paso a Mick Jagger con “Angie”. Más veces de lo mismo sin aportar casi nada nuevo a la original. El resto es material instrumental terminando con un “Jumpin´ Jack Flash” que me parece el corte menos afortunado del LP.

Detrás de la elaboración de este trabajo se encuentran entre otros ni mas ni menos que, un productor como Chris Kimsey (el que fuera ingeniero de sonido del Sticky Fingers), y Jaz Coleman de KILLING JOKE (muy dado a hacer versiones sinfónicas de grupos rock, como THE DOORS, PINK FLOYD o LED ZEPPELIN) en los arreglos. La orquesta esta conducida por Peter Scholes
Total, un disco que si te gusta es directamente en su mayoría por la autoría de sus canciones, (Mick Jagger y Keith Richards) y por algunos arreglos notables.

M. LAGUNA

LEVEL 42 - THE PURSUIT OF ACCIDENTS (1982)

VALORACIÓN: MUY BUENO


FORMACIÓN:

Mark King: Bajo y voz
Mike Lindup: Teclado y voz
Boon Gould: Guitarra
Phil Gould: Bateria

TRACK LIST:

1. "Weave Your Spell"
2. "The Pursuit Of Accidents"
3. "Last Chance"
4. "Are You Hearing" (What I Hear)?
5. "You Can't Blame Louis"
6. "Eyes Waterfalling"
7. "Shapeshifter"
8. "The Chinese Way"

 


Tercer lanzamiento discográfico de los britanicos LEVEL 42 y sin embargo segundo de su discografía oficial. (el anterior "Strategy/Early Tapes" no era más que un refrito de la compañia Polydor a rebufo de su sensacional primer álbum) "The Pursuit Of Accidents" es casi sin ninguna duda el disco menos popular de los chicos de Mark King. Bien es cierto que la sombra de "Level 42" (1981) es alargada y que todos los discos que editó la banda hasta el lanzamiento del celebérrimo "World Machine" en 1985 resisten mal la comparación con semejante coloso sonoro, pero el resultado sin llegar ni por asomo a las cotas de calidad de su opera prima, es el de un dignisimo sucesor y una importantisima base para el asentamiento de LEVEL 42 en la escena musical de aquella época, plagada de bandas "One Hit Wonder" que tendían rapidamente a desaparecer y a descender a los infiernos, condenados al anonimato y a la ignominia. En el aspecto meramente musical este "The Pursuit Of Accidents" no añade nada nuevo a la formula Jazz/Funk del primer elepé y contiene cortes realmente brillantes como "Weave Your Spell", la homónima "The Pursuit Of Accidents" o la muy accesible "The Chinese Way" (sin duda alguna el tema más popular del disco), pero globalmente a mi entender el plástico esta falto de composiciónes más directas, de las que te enamores a la primera escucha, temas llenos de funk furioso y masculino como pudieran ser "Almost There" o "Love Games" aqui brillan por su ausencia en beneficio de su vertiente más "jazzera" y virtuosa, especialmente por parte de Mark King, cyborg construido a finales de los años 50 en la Isla de Wight para enseñarnos que tocar slap a velocidad de vertigo, cantar como los angeles y masticar chicle a la vez con la precision de un metrónomo, es algo realmente sencillo para la fria y matemática CPU de un androide tan avanzado como los de su gama. Y todo ello con la pasión humana y el corazón de quien realmente ama la música sin complejos, de aquel quien admira a SLY & THE FAMILY STONE y a STANLEY CLARKE a partes iguales y que antepone la parte artistica a la tecnica a la hora de tocar. Todas los halagos que yo pueda hacer a este hombre son pocos para compensar todas las sensaciones que me ha hecho experimentar en todos sus discos, incluyendo este "The Pursuit Of Accidents" que es de los trabajos más flojitos que han sacado a mi parecer, (y aun asi es muy bueno) asi que sirva esta crítica como mi manera de honrar su inmenso talento. Aunque no te guste el funk, la musica disco te parezca una horterada y el jazz te aburra hasta la extenuación, te recomiendo que des una oportunidad a esta maravillosa banda y a este disco en particular porque si te llega realmente a gustar, se te abrirá un nuevo horizonte musical que te dara momentos de enorme felicidad.

T. LORENTE

VOIVOD - NOTHINGFACE (1989)

VALORACION: MUY BUENO

FORMACION:

Denis Bélanger: voz
Denis Dámour: Guitarra
Jean-Yves Theriault: Bajo
Michael Langevin: Batería

TRACK LIST

01- The Unknown Knows
02- Nothingface
03- Astronomy Domine (Pink Floyd)
04- Missing Sequences
05- X-Ray Mirror
06- Inner Combustion
07- Pre-Ignition
08- Into My Hypercube
09- Sub-Effect

Este trabajo del año 89 de los canadienses VOIVOD es una de las muestras de Trash-progresivo más singulares que he tenido oportunidad de escuchar. Cambios inesperados, voces de locura, y un ambiente general lleno de creatividad con cada cosa en su sitio.
A diferencia de otros trabajos suyos como “War and Pain (1984), en este álbum se pueden notar más influencias psicodélicas y no solo por la incursión de “Astronomy Domine” del primer disco de PINK FLOYD, muy digna del original, sino por la utilización de elementos reminiscentes de la escuela del garaje-rock americano, incluso sesentero.
Realmente no es fácil diseccionar esta amalgama de sensaciones que es “Nothingface”, sobretodo por la combinación de toda la parafernalia Trash Metal, que se nota en los ritmos rápidos etc, y en un gusto por lo abstracto que deja a los proggers de los 70 en agua de borrajas en este sentido.
En cuanto al contenido, la duración de los temas no suele estar por debajo de los cinco minutos y tienden a estructurarse en torno a un estribillo pegadizo, estrofas irónicas, y secciones instrumentales con gran dominio rítmico y técnico, las armonías juegan con los menores y mayores por igual, es decir, que es un collage de estados de emoción bastante bien hilvanado en el que los riffs juegan al mas puro estilo progresivo. Yo personalmente me quedaría con la primera cara del LP, fenomenalmente abierta por “The unknown Knows” que empieza de una manera para terminar en un rollo completamente diferente, algo típico en el prog. La sigue “Nothingface” con un estribillo muy en la onda post-punk ochentera y un desarrollo intimidante. Temas como Missing Sequences o X-Ray Mirror repiten ese esquema de “cortar” al oyente con  situaciones llenas de tensión y melodía. “Inner Combustión” puede parecer más digerible, pero también es verdad que a un par de escuchas la mayoría de los temas se quedan en la cabeza. “Pre-Ignition” es muy expresiva y los dos últimos cortes “Into my Hypercube” y la destacable “Sub-Effect” siguen esa aureola siniestra e inclasificable a pesar de la etiqueta Trash-Progresivo.

Un disco realmente extraño, en el que la mezcla de ideas musicales consigue una atmósfera, única, punzante, inquietante, robótica, satírica y de inspiración imposible en algunos momentos. Súper recomendable para los amantes del virtuosismo compositivo y de los ambientes tétricos y vacilones con regusto “rockero”.

M.LAGUNA

CRAFT - TOTAL SOUL RAPE (2000)

VALORACIÓN: MUY BUENO

FORMACIÓN:



Joakim Karlsson – Bajo
John Doe – Guitarra
Nox – Voz


En el año 2000 los suecos CRAFT debutaban con “Total soul rape”. El camino hasta este disco no fue sencillo precisamente. La banda llevaba desde 1994 luchando por hacerse un hueco en la saturada escena de Black Metal de los 90. En sus inicios se hacían llamar NOCTA, y no fue hasta 1998 cuando adoptaron el nombre actual.

Tras esta breve introducción de la banda, ciñámonos al álbum que nos ocupa. Con este “Total soul rape” CRAFT se marca un debut soberbio para el género. Poseen bastantes de los ingredientes imprescindibles de la escena Black otorgándoles personalidad propia. Se nota que este debut no fue flor de un día.

Sus ritmos son apabullantes desde el primer tema, “World of plague”, que actúa a modo de preludio de lo que vamos a escuchar a continuación. Unas guitarras sucias, baterías rápidas y oscuras, y una voz de Nox que acompaña con el chirrío justo cada composición. Una magistral prueba de cambios de ritmo y voces guturales al más puro estilo del black metal noruego de principios de los años 90 es sin duda “Past, present, dead”, donde los suecos mantienen nuestros oídos chirriando durante los 3:31 de duración. Y ojito a la guitarra en el tema que da título al disco; “Total soul rape”, puro black metal pero sin lugar a dudas con estilo propio, estilo CRAFT. En cuanto a las letras se refiere nos salimos de lo habitual, en esta ocasión encontramos un odio desmedido por lo humano, abogando por la muerte, la destrucción y el odio. Letras de ira para música de odio.

Sin lugar a dudas, un gran debut dentro de la ya tan manida escena nórdica de metal oscuro. Ciertamente hay factores que pueden mejorarse, pero en el año 2000 los CRAFT iban por muy buen camino para convertirse en uno de los imprescindibles del género. Estaremos atentos a sus siguientes lanzamientos. 

A. RUPÉREZ

 

DRAGONFORCE - INHUMAN RAMPAGE (2006)

VALORACIÓN: PÉSIMO


FORMACIÓN:

• Herman Li: Guitarra eléctrica Líder y Rítmica, voz de acompañamiento.
• Sam Totman: Guitarra eléctrica Líder y Rítmica, voz de acompañamiento.
• ZP Theart: Voz
• Vadim Pruzhanov: Teclados, piano, voz de acompañamiento.
• Dave Mackintosh: Batería, voz de acompañamiento.
• Adrian Lambert: Bajo, voz de acompañamiento en Through the Fire and Flames a Storming the Burning Fields.
• Frédéric Leclercq:Bajo, voz de acompañamiento en Operation Ground And Pound a Trail of Broken Hearts.

TRACK LIST:

1 - Through the Fire And the Flames
2 - Revolution: DeathSquad
3 - Storming the Burning Fields
4 - Operation Ground And Pound
5 - Body Breakdown
6 - Cry For Eternity
7 - The Flame Of Youth
8 - Trail Of Broken Hearts

DRAGONFORCE. Vayamos por partes: tengo que reconocer que la primera vez que escuché "Through the Fire And the Flames" quedé absolutamente apabullado por la tremendisima velocidad de Sam Totman y Herman Li, los dos guitarristas de esta formación británica (antiguamente habian buenas bandas por esas islas, te lo aseguro) pertenecientes al género del "Extreme Power Metal" (¿queeee?) Y eso que siempre he sido muy fan de las bandas que armonizan a toda velocidad con dos guitarras, desde THIN LIZZY hasta CACOPHONY. Por eso me llamaron la atención desde la primera vez que tomé contacto con ellos, y como se suele decir o solemos pensar hay discos que mejoran con las escuchas, discos en los que encuentras cada vez más detalles con los que deleitarte, discos que te gusta recomendar a amigos, familiares y conocidos hasta el punto de amargarles la vida con tu obsesión ("hey, tio, tienes que escuchar a los ******, son INCREIBLEEEESSS!!"). Pues ahora querid@ amig@, te pido que pienses todo lo contrario: imagina que cuando más lo vas escuchando, más detalles "malignos" vas advirtiendo: trucos de estudio, abuso de pedales Whammy, disparadores de batería, esquemas de solos CALCADOS en TODAS las canciones, etc... y llegas a la inequívoca conclusión de que te han tomado el pelo. Y te han tomado el pelo además en poco más de cincuenta minutos que a poco de buen gusto musical que puedas tener te pareceran una verdadera tortura. Para resumir el contenido musical (ja!) de este aborto, digamos que es un disco formado por dos canciones: la archiconocida "Through The Fire And The Flames", que ocupa las siete primeras pistas (si no existiera el espacio de silencio entre tema y tema, nadie se daría cuenta de que ya empezó la siguiente canción) y atención, atención, damas y caballeros, la SUPER - POWER - BALADA "Trail Of Broken Hearts", canción en la que podrás apreciar las múltiples carencias vocales de ZP Theart, el "intento" de vocalista de estos señores con tanta prisa (Creo que a Sam y a Herman los esperan en una fiesta de No - cumpleaños para tomar el té...), que lejos de suponer un respiro a tu ya destrozado cerebro, no es otra cosa sino el último clavo en tu ataud y una despedida por la puerta grande del mal gusto y la falta de inspiración. Este "Trail Of Broken Hearts" es probablemente una de las peores canciones jamás escritas, balada hortera y vulgar donde las haya, de las que te hacen sentir vergüenza si la vas escuchando por la calle en tu MP3 y de la que renegarás mas veces que San Pedro a Jesucristo si eres preguntado por ella. Esta mierda se lleva por meritos propios la PEOR nota que damos y además sin ningún tipo de remordimiento. Estas anomalias musicales no deberían existir. Un rotundo CERO en todos los aspectos, por mucho virtuosismo que quieran demostrar, y un DIEZ para mi por haber tenido el VALOR de haberlo escuchado CUATRO VECES SEGUIDAS para hacer esta crítica. Creo que me voy a subir el sueldo (y a tomar un Valium)

T.LORENTE